Ce message est déposé sous:

Pays d’accueil Fait saillie,
Entretiens et colonnes

KC Carlson

par KC Carlson

Auparavant sur l’histoire sans fin (partie 1) (partie 2): Après une expérimentation créative intense au début des années 1970, les bandes dessinées de super-héros sont principalement restées aux bases d’ici la fin de la décennie. Il y avait beaucoup plus de surprises créatives à venir, mais pour l’instant, les conflits les plus importants des bandes dessinées étaient dans les coulisses, en tant que système de distribution défaillant, combiné à un mauvais produit physique, forcerait les bandes dessinées à proposer des services créatifs pour rester en vie. Pendant ce temps, de nombreux créateurs de bandes dessinées étaient agités, en particulier les nouveaux talents plus jeunes qui entraient dans le terrain au cours de la dernière décennie. Ils voulaient également une meilleure présentation physique pour leur travail, y compris des formats en constante expansion pour essayer – ainsi que de meilleures conditions de travail et beaucoup plus de retour pour leur créativité. De plus, les effets d’une critique et des critiques intelligents croissants d’une base de fans beaucoup plus vocale aideraient à pousser les créateurs dans des vols de fantaisie encore plus grands. Tous ces éléments semblaient indiquer que des temps intéressants étaient au coin de la rue au début des années 80.

Les origines graphiques longues deviennent une idée nouvelle

Comme nous l’avons vu, il y a eu de nombreuses histoires longues dans les bandes dessinées parce que ses débuts, principalement lorsque des histoires sérialisées se sont poursuivies d’une bande dessinée à l’autre. Dans les années 1970, beaucoup plus de créateurs considéraient les histoires longues comme un objectif, comme la forme suprême et le format de leur travail. L’artiste Gil Kane et l’écrivain Archie Goodwin (écrivant sous le pseudonyme Robert Franklin) étaient les premiers pionniers américains dans cette entreprise. En 1968, la paire est auto-publiée (avec de nombreux problèmes d’impression et de distribution) son nom est… Savage, un roman de bande dessinée de magazine de 40 pages. La même année, Marvel a publié deux histoires longues (50 pages plus) de Spider-Man de Stan Lee et John Romita dans le magazine-format The Spectacular Spider-Man, le deuxième étage imprimé en couleur.

Marque noire

Kane et Goodwin sont revenus à la longue forme en 1971 avec Blackmark, une histoire d’épée et de sorcellerie, publiée cette fois par Bantam Books comme livre de poche avec 119 pages d’histoire et d’art. Le projet a remporté un prix Special Shazam pour Kane pour son «Novel de comics de poche». Lorsqu’il a été réimprimé en 2001, Blackmark a été bloqué comme «le tout premier roman graphique américain». Ce n’était pas le cas – le terme roman graphique n’avait pas été inventé lors de sa publication, et il y avait de nombreuses autres histoires illustrées produites en dehors du domaine de la bande dessinée au cours des années précédentes, beaucoup notamment une paire d’images de 128 pages de taille digérée de 1950 ” romans »destiné au marché pour adultes, publié par St. Johns. Le premier, il rime avec luxure, a été écrit par «Drake Waller» (Arnold Drake et Leslie Walker) avec l’art de Matt Baker et Ray Osrin. Il a été réimprimé en 2007 par Dark Horse Books avec une nouvelle postface de Drake. Et, comme discuté dans la partie 1 de cette chronique, des albums graphiques européens (collectionner des histoires sérialisées) étaient en cours de publication dès les années 1930.

Les premiers concurrents pour la première utilisation du terme roman graphique – tous publiés en 1976 – incluent Bloodstar de Richard Corbin (une histoire longue publiée comme une, c’est-à-dire pas précédemment sérialisée), George Metzger’s Beyond Timed and encore (une collection de sérialisations précédemment sérialisées Histoires de bandes dessinées underground), et Jim Steranko’s Chandler: Red Tide. Ce livre de taille digest devrait être beaucoup plus considéré comme un roman illustré, car il présente des blocs de texte composés plutôt que des ballons de mots conventionnels. Tous ces formats seraient finalement acceptés comme des «romans graphiques», car le terme est devenu de plus en plus un mot à la mode marketing qu’une description réelle de la forme. De nombreux créateurs qui travaillent régulièrement dans le format sont bien plus que heureux d’appeler leurs œuvres simplement «bandes dessinées».

Un contrat avec Dieu

Le terme «roman graphique» a gagné sa traction la plus importante en conjonction avec la publication de Will Eisner’s A Contrat with God, and Other Tenement Stories (1978), lui-même une collection de nouvelles sur le thème similaire plutôt qu’un récit long. Parce qu’il s’agissait d’un travail mature et complexe, le terme a été partiellement inventé pour le distinguer des bandes dessinées conventionnelles (à l’époque principalement des super-héros). Au début, «Graphic Novel» a été perçu dans certains cercles comme «arrogant» ou «arty» – quelque chose de corrigé lorsque Marvel et DC ont finalement commencé à produire des romans graphiques mettant en vedette leurs étoiles de super-héros. Stan Lee et Jack Kirby ont produit pour la première fois une histoire de surfeur en argent long en 1978, bien qu’elle ait été publiée par Simon & Schuster / Fireside Books (pas Marvel) et que les librairies, de sorte que les fans de bandes dessinées Marvel l’ont peut-être raté. Ce serait encore quelques années encore jusqu’à ce que Marvel et DC fassent vraiment le saut dans les romans graphiques.

Sabre

En attendant, des éditeurs indépendants naissants faisaient des percées avec ce nouveau format de bande dessinée. Deux créateurs auparavant connus pour leur travail chez Marvel, l’écrivain Don McGREgor (Killraven) et l’artiste Paul Gulacy (Master of Kung Fu), combinés pour créer le sabre populaire: lent lent d’une espèce en voie de disparition, un roman graphique de science-fiction de swashbuckling – le premier projet de la nouvelle éditeur Eclipse Comics. Il a été parmi les premiers romans graphiques à distribuer dans le nouveau marché direct de la bande dessinée, et il était suffisamment populaire pour nécessiter une deuxième impression et une série dérivée. Le scénario a également incorporé des éléments des histoires de Killraven inachevées de McGregor à Marvel – qui deviendrait un peu plus de tendance de plus en plus de créateurs de Marvel et DC déménager vers les indépendants.

Précurseurs indépendants

Le premier royaume

D’autres créateurs d’Indy développaient déjà leur nouvelle série comme des œuvres longues – publiant d’abord comme des morceaux de la taille d’une chapitre, mais en fin de compte du format collecté comme la forme suprême que leur travail prendrait. Commencer en 1974, comme l’une des premières bandes dessinées publiées indépendamment, le premier royaume de Jack Katz était un travail tentaculaire et parfois épique qui rappelait souvent aux lecteurs des mythes classiques avec sa narration à longue portée et construite par la civilisation. C’était vraiment un projet unique en son genre, fonctionnant finalement à plus de 700 pages. La première collection du premier royaume a été publiée en 1978, et comme la série de bandes dessinées, a été publiée par Bud Plant, l’un des principaux distributeurs de bandes dessinées de vente directe de l’époque. Bien que historiquement significatif, la série est un slog à lire et a été surtout oubliée.

Elfquest

1978 a également été l’année que Richard et Wendy Pini Classic Elfquest ont commencé. ElfQuest a l’une des histoires de publication les plus intéressantes dans les bandes dessinées, démontrant comment le contrôle créatif peut entraîner un énorme succès. Publié pour la première fois dans The Underground Comic Fantasy Quarterly en 1978, les Pinis ont été tellement déçus par la reproduction de ce premier numéro qu’ils ont formé leur propre entreprise – Warp Graphics (Warp indiquant Wendy et Richard Pini) – et a commencé l’auto-édition avec le numéro 2 . (Le matériel fantastique trimestriel a ensuite été réimprimé comme ElfQuest # 1, dans le même format graphique de chaîne.) Ce qui était intéressant dans la série, à l’époque, c’était qu’il était fermé – il s’est conclu avec le n ° 20. Un n ° 21 a également été publié, y compris des lettres de fans et du matériel en coulisses.

Finalement, la série a été recueillie dans de belles collections en couleur, à l’origine en enfilant / Starblaze et plus tard par Warp Graphics eux-mêmes. Il y avait aussi de nombreuses mini-séries et séries de suivi – certaines par les Pinis, d’autres par des artistes et des écrivains sous leur supervision. La saga d’origine est actuellement imprimée depuis plus de trois décennies et a la distinction distincte d’être republié par les bandes dessinées Marvel (sous son empreinte épique) et les bandes dessinées DC (dans le cadre de leur série d’archives rigide). Au moment de sa publication originale, ElfQuest était le livre d’entrée de gamme non officiel pour que les fans masculins se présentent à leurs copines pour les intéresser dans les bandes dessinées. L’artiste et développeur principal d’ElfQuest, Wendy Pini, est également devenu remarquable en tant que développeur féminin de premier plan dans un domaine dominé par les hommes.

Cerebus

Cerebus de Dave Sim, The Aardvark, a commencé sa vie en 1977 comme une drôle de parodie animale de bandes dessinées d’épée et de sorcery, mais en 1979, Sim a annoncé que Cerebus était en fait un roman de 300 numéros. Le numéro 300 a finalement été publié en mars 2004, 27 ans plus tard, l’histoire exécutant finalement 6 000 pages. Ceux-ci ont ensuite été recueillis dans 16 collections, surnommées «répertoires» en raison de leur taille et de leur format. Cerebus et toutes les collections ultérieures ont été auto-publiées par Sim (d’abord avec sa petite amie, alors sa femme deni Loubert; les deux plus tard divorcés) sous le nom de l’entreprise Aardvark-Vanaheim.

La série n’était pas sans controverse, principalement sur le franc-parler de son développeur et sa misogynie manifeste (que Sim appelle «l’anti-féminisme»). Cela, ses opinions sur la religion et les querelles publiques avec d’autres créateurs et personnalités de l’industrie mettent souvent la lumière sur l’homme au lieu de son travail. Cependant, SIM était également franc dans les domaines des droits des développeurs et de l’auto-édition, était un précoce et un grand partisan du Comic Book Legal Defence Fund, et était très favorable à de nouveaux talents, imprimant souvent le travail des jeunes créateurs en tant que remplaçant Caractéristiques de Cerebus. Le fait qu’il ait terminé ce qu’il a décidé de terminer avec Cerebus (assisté de l’artiste d’arrière-plan Gerhard) est toujours un exploit exceptionnel – surtout quand on considère le nombre de projets impressionnants mais inachevés qui jonchent le paysage de la bande dessinée.

Mais attendez… atteindre les étoiles

Bien avant le début de ces expériences de narration longues, il y avait une autre révolution dans les bandes dessinées. (Un couple en fait, mais le moment de bande dessinée underground des années 60 et 70 est au-delà de la portée de cet aperçu particulier – et déjà trop long -. Bien que j’exhorte les lecteurs adultes à rechercher des articles et des histoires de cette époque fascinante.)

Étoile * portée

En 1974, l’ancien écrivain de DC et Marvel Mike Friedrich (Justice League of America, Iron Man) a auto-publié le fiRST Numéro de Star * Reach, une anthologie de science-fiction et de bandes dessinées fantastiques incroyablement influente. En surface, Star * Reach semblait être un simple débouché pour les créateurs de bandes dessinées frustrés pour présenter leur travail en dehors des limites restrictives de Marvel et DC, Star * Reach comble en fait un écart entre les bandes dessinées underground (avec leur contenu beaucoup plus adulte) et conventionnel Éditeurs de bandes dessinées (offrant une fiction héroïque dans les genres qui ne sont pas entièrement soutenus par les deux grands). À l’époque, l’étoile * Reach Buzzword était «au niveau du sol».

Les contributeurs fréquents à Star * Reach comprenaient Howard Chaykin, Jim Starlin et Barry Windsor-Smith, tous des travaux intelligents et matures qui étaient une étape de développement essentielle pour ce que le médium pourrait accomplir au-delà des super-héros. S’éloigner des conditions restrictives de Marvel et DC a permis à leur véritable talent – en particulier leurs œuvres – de s’ouvrir et de devenir quelque chose d’incroyable. Cela a également permis à ces artistes de montrer leurs talents formables en tant qu’écrivains, marquant un tournant essentiel dans leur carrière.

Charlatan!

Les autres contributeurs importants à Star * Reach étaient Neal Adams, Frank Brunner, Gene Day, Steve Englehart, Michael T. Gilbert, Dick Giordano, Steve Leialoha, Lee Marrs, Al Milgrom, Gray Morrow, Dean Motter, P. Craig Russell, Dave Sim , Walt Simonson, Steve Skeates, Mary Skrenes, Ken Stacey, Joe Staton, Mike Vosburg, Len Wein, John Workman et l’auteur de SF Roger Zelazny. Aussi publié par Star * Reach était Quack!, une anthologie drôle-animale tout aussi influente (bien que moins appréciée).

Star * Reach a cessé la publication en 1979, avant que tout ce qu’il soit inspiré, ne prenne une importance majeure, mais finalement, c’était un lien essentiel avec l’avenir de la bande dessinée, ainsi que le tout aussi – mais à d’autres égards – le heavy metal influent et le biais original ONE Big Apple Comics, qui a été publié par Flo Steinberg – «Gal Friday» de Marvel pendant leurs années 60. La portée star * et le heavy metal étaient également essentiels pour développer le roman graphique de forme longue avec leurs caractéristiques sérialisées collectées. Et les deux étoiles * et Big Apple étaient des exemples précoces de bandes dessinées indépendantes auto-publiées. Beaucoup plus des deux étaient en route.

Bande dessinée «réalisme»

Le «réalisme» est devenu un grand mot à la mode dans les bandes dessinées de super-héros traditionnelles à partir des années 1980. S’appuyant sur le travail rudimentaire de Stan Lee (et plus tard Roy Thomas) dans la présentation beaucoup plus de caractérisation tridimensionnelle dans les bandes dessinées Marvel, les super-héros et leurs méchants de l’ère des années 1960 est devenue de plus en plus complexe au cours des décennies. Les anti-héros (au début, essentiellement de «bons» personnages qui ont utilisé un doute implique d’atteindre leurs objectifs ou ceux qui ont été «poussés trop loin») comme le Punisher et Deathlok (qui ont tous deux utilisé des armes à feu) ont commencé à être présentés dans les années 1970 , reflétant des personnages similaires qui devenaient populaires dans les films (dont beaucoup ont été représentés par les acteurs Clint Eastwood et Charles Bronson). Cependant, le «réalisme» dans les bandes dessinées était souvent tout sauf le réalisme lorsqu’il était appliqué à des personnages qui jouaient occasionnellement des billards avec des planètes. Cependant, le terme a entraîné une discussion intense des fans dans les années 80, en particulier centré sur le livre X-Men de Marvel et les personnages populaires de Wolverine et Phoenix.

À cette époque, Wolverine était décrite comme un personnage qui tuerait régulièrement d’autres personnages mineurs, juste parce qu’ils étaient sur son chemin. Cela a conduit à des discussions intenses sur la question de savoir si de telles actions étaient adaptées dans un personnage qui était censé héros. Sur la route, de nombreux fans ont réalisé qu’il ne l’était peut-être pas. Ainsi, le débat. Les bandes dessinées se divisaient rapidement en deux camps – ceux qui pensaient que cela faisait de lui un personnage «plus cool» et ceux qui ont été consternés par ses actions. Ce schisme se tient surtout aujourd’hui parmi les fans de bandes dessinées.

Phénix

Le cas de Phoenix était encore plus intéressant. Après avoir refait l’ancien personnage de Gray / Marvel Girl en un nouveau personnage (Phoenix) avec des pouvoirs cosmiques apparemment incontrôlables, les créateurs de X-Men lui ont complètement éliminé une race d’êtres extraterrestres (le D’A Bari) dans le une sorte de thr